Exposiciones
Miradas. Hacia el Paraíso. Un diálogo con el arte gallego y la vanguardia", en Santiago de Compostela
Salón de actos - Sede Fundación Caixa Galicia Santiago - SANTIAGO DE COMPOSTELA.
05 noviembre 2009 - 30 marzo 2010
La Sede de la Fundación Caixa Galicia de Santiago de Compostela acoge, a partir del jueves 5 de noviembre, la exposición comisariada por Fernando Castro, “Miradas. Hacia el Paraíso. Un diálogo con el arte gallego y las vanguardias internacionales”, compuesta por cincuenta y una piezas procedentes de la Colección Caixa Galicia.
“Miradas. Hacia el Paraíso. Un diálogo con el arte gallego y las vanguardias internacionales” nos propone una revisión del arte gallego en diálogo con las principales vanguardias internacionales presentes también en la Colección Caixa Galicia. Así podremos ver por primera vez en Galicia obras de artistas tan relevantes de la historia del arte del siglo XX como Chagall, Óscar Domínguez, María Blanchard, Wilfredo Lam, Fernand Leger, Joan Miró o Picasso, en una conversación armónica y a veces comparada con obras de los artistas gallegos más singulares del siglo XX, entre los que destacan Luís Caruncho, Colmeiro, Isaac Díaz Pardo, Granell, Lamazares o Leiro.
El MOMA de Nueva York acoge una histórica exposición sobre las fantasías y pesadillas de un cineasta que lidera la vanguardia pop.
La Fundación Caixa Galicia termina así la celebración de su vigésimo aniversario con la última de las cuatro exposiciones de su Colección que este año nos mostraron una nueva manera de ver y entender la Colección Caixa Galicia, una mirada distinta que contrapuso en unos casos y armonizó en otros la relación de las importantes piezas de esta Colección con su entorno, con la época en la que fueron creadas.
El MOMA de Nueva York acoge una histórica exposición sobre las fantasías y pesadillas de un cineasta que lidera la vanguardia pop.
Burton, un artista de museo Una imaginación sin límites al poder.
Tim Burton ya es un artista de museo. Su desbocada fantasía y su creatividad avasalladora «cuelgan» de las paredes del Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York desde esta semana y hasta la primavera. Más de 700 referencias al planeta Burton salen a la luz pública; monstruos entrañables o peligrosos, marcianos gamberros, manostijeras de alma cortada, frikis de todo tiempo y condición, desdichadas novias cadáveres, féminas góticas, niños desamparados, seres de muchos ojos, fugitivos del mundo racional. Cientos de dibujos, guiones gráficos, marionetas, maquetas, vestuarios originales (Sleepy Hollow), material de rodaje (cabezas de extraterrestres de Mars atacks, las tijeras de Eduardo, las máscaras de Batman) y esculturas de alambre habitan un laberinto en permanente construcción. Es normal que esta fulgurante anormalidad esté custodiada por un gran tiovivo multicolor... en el que no falta el negro que debe acompañar a un gótico como Burton....
Durante la presentación de la muestra, el todavía joven director (51 años), sin quitarse sus inseparables gafas de sol, calificó la propuesta como «una experiencia fuera de tu propio cuerpo... Me gustaría saber si hay un doctor en la sala, para certificar si estoy efectivamente muerto. Uno quiere desde pequeño vivir una vida que tenga momentos surrealistas y éste es uno».
No está muerto Burton, pero ya tiene obra de sobra para iniciativas tan ambiciosas, que sirven para hacer recuento de sus cuentos para mayores con reparos. La exposición (en la que se puede ver, además, La morbosa belleza de los monstruos, ciclo de películas como Frankenstein o Nosferatu, que inspiraron a Burton) está dividida en varios planos que rastrean la carrera del director. Cabezas enormes, flacos cuerpos, manos de dedos interminables, pies para qué quieren formas y hormas. La imaginación burtoniana rompe moldes y costuras. Modas y modos. Crea moda y de qué modo. Sobrevivir a Burbank, embellecer Burbank y más allá de Burbank son las tres estaciones de este viaje hacia la vanguardia pop más osada, por qué no insolente.
Primero nos adentramos en sus orígenes californianos, soleado escenario donde nacieron sus tinieblas cinéfilas de la mano de Vincent Price y todo tipo de marcianadas japonesas y fantasías de serie be. O zeta. En esos momentos, Burton rodó sus dos primeros cortos en 8 milímetros: La isla del doctor Agor y Houdini: la historia nunca contada. Burton recuerda esos años iniciáticos con una escultura de acero y poliéster. De su etapa inicial se han rescatado sus primeras películas y dibujos de estudiante en el Instituto de las Artes de California, junto a unas fotografías Polaroid y los elocuentes Trágicos muñecos para niños y niñas de Tim Burton.
Pasamos luego a sus comienzos como animador becado en los estudios Disney, mientras barruntaba proyectos imposibles o se entretiene con caricaturas. Se acaban los años ochenta y se engarzan las primeras perlas burtonianas, La gran aventura de Pee-Wee y Beetlejuice, escoltadas por su irresistible colección de juguetes existencialistas y unas impagables ilustraciones para La muerte melancólica del niño ostra. Aquí ya piden paso sus Batman y, sobre todo, Eduardo Manostijeras (con réplica incluida) y los oportunos dibujos de La novia cadáver.
«No hay ningún cineasta vivo que posea el éxito y la reputación de Tim Burton, que haya escondido tan bien al público su trabajo completo», dijo el comisario de la exposición, Ron Magliozzi, al intentar resumir los motivos por los que el MOMA se fija en un cineasta. Por supuesto, el museo permitirá ver películas y cortos de este creador que, bebiendo de la fuente pop, hizo una transfusión de sangre fresca a las venas hollywoodienses. Y a pesar de sus tropiezos (como su olvidable Planeta de los simios), Burton tiene aún cuerda para jugar: Alicia en el país de las maravillas llegará en 2010, con una mezcla de técnicas de animación que promete dar vidilla a la novela de Lewis Carroll. En ella tendrán cabida los habituales de Burton: Johnny Depp es el Sombrerero Loco, y su esposa musa, Helena Bonham Carter, será una Reina Roja de cabezón aumentado digitalmente para satisfacer las demandas de un cineasta convertido en artista de museo.
"RODIN Y LA MITOLOGÍA SIMBOLISTA"
El Kiosko Alfonso de A Coruña acoge hasta el próximo 15 de noviembre la exposición " Rodin y la mitología simbolista".
Auguste Rodin (París 1840-1917) es universalmente conocido como uno de los escultores que mejor marcaron la marcha hacia el arte del siglo XX, sacándolo de la fase académica y convirtiéndolo en creación absolutamente personal. La exposición nos presenta las obras reunidas en cinco bloques que nos acercan al artista, a su vida y a su trabajo, abordando temas como la inspiración, la motología, la interpretación antropomórfica de los elementos naturales o las pasiones. Entre las piezas destacan trabajos fundamentales como el monumento a "Balzac", "Los Burgueses de Calais" o "La Puerta del Infierno".
http://www.elpais.com/articulo/Galicia/genio/mefistofelico/Rodin/elpepucul/20090925elpgal_23/Tes
E. Secundaria
PERCEPCIÓN VISUAL
Espero que os guste......
A continuación vereis algunas de las animaciones creadas por alumnos y alumnas de 3º de E.S.O. en stop-motion, técnica de animación que consiste en generar la sensación de movimiento a base de capturar imágenes de objetos estáticos. En este caso los "objetos" fueron sus propias creaciones en plastilina, emulando el trabajo de directores de cine como Fernando Cortizo al que conocimos en nuestra visita a la realización y rodaje del primer largometraje español en stop-motion " O Apostolo" en Santiago de Compostela, en los estudios de la productora Artefacto. Si este tema os interesa podréis saber algo más acerca de la película, sus protagonistas y su próximo estrenos en la página
TALLER DE PINTURA " GUSTAV KLIMT"
En este taller de pintura los alumnos y alumnas de 1º de E.S.O. realizaron una serie de cuadros basándose en dos obras del gran artista vienés Gustav Klimt. La técnica utilizada consistió en pintar con pinturas cerámicas y vitrales ( pinturas para cristal) sobre un cartón entelado previamente dibujado y repasado con cloisoné negro (pintura abultada que impide que los colores sobrepasen los contornos y se mezclen entre sí).
No puedo mostratros todos y cada uno de los trabajos pero ahí va a modo de ejemplo un mosaico con algunos de ellos.....
Espero que os guste......
3º E.S.O
ANIMACIONES EN STOP-MOTION
A continuación vereis algunas de las animaciones creadas por alumnos y alumnas de 3º de E.S.O. en stop-motion, técnica de animación que consiste en generar la sensación de movimiento a base de capturar imágenes de objetos estáticos. En este caso los "objetos" fueron sus propias creaciones en plastilina, emulando el trabajo de directores de cine como Fernando Cortizo al que conocimos en nuestra visita a la realización y rodaje del primer largometraje español en stop-motion " O Apostolo" en Santiago de Compostela, en los estudios de la productora Artefacto. Si este tema os interesa podréis saber algo más acerca de la película, sus protagonistas y su próximo estrenos en la página
E. Primaria. EnRedArte
EnRedArte
Aquí tenéis pubicados los dibujos que habéis enviado para compartir con el resto de vuestros compañeros/as...
El CUBISMO, por 5ª EP
Si queréis hacerlo en casa mirad este vídeo, en el encontraréis una clara explicación.
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El CUBISMO, por 5ª EP
Aquí tenéis los trabajos realizados por los alumnos y alumnas de 5º de E.P. sobre el CUBISMO, movimiento artístico que se inicia en 1907, momento en el que Picasso pinta Las señoritas de Avignon.
El cubismo es un arte mental que representa los objetos desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. En él desaparecen las gradaciones de luz y sombra y no se utilizan los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducen al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Los temas principales son los retratos y las naturalezas muertas.
El cubismo es un arte mental que representa los objetos desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. En él desaparecen las gradaciones de luz y sombra y no se utilizan los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducen al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Los temas principales son los retratos y las naturalezas muertas.
Picasso, George Braque, Juan Gris, Fernand Légerd son algunos de los grandes artistas de este movimiento.
Si queréis hacerlo en casa mirad este vídeo, en el encontraréis una clara explicación.
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