Un holograma é unha superficie de dúas dimensións que ten a capacidade de amosar imaxes detalladas de obxectos reais en tres dimensións. A invención do holograma foi obra do físico húngaro Denis Gabor (1900-1979) en 1948. Gabor recibiu o Premio Nobel en 1971 grazas á invención do raio láser en 1960.
Presta atención a estes vídeos, o que esta tecnoloxía ofrece xa e pode ofrecer no futuro:
Nós imos a realizar uns usando os nosos smartphones. As nosas imaxes serán proxectadas a través dunha pirámide invertida:
Debuxamos nunha folla cuadriculada un trapecio isósceles de 1cm e 6 cm de bases e 3,5 cm de altura en vertical.
Calcamos 4 trapecios nun acetato e os recortamos.
Pegamos os 4 trapecios polos seus lados oblícuos con tiras adhesivas transparentes, pegamento ou silicona.
O resultado será unha pirámida truncada invertida como a da seguinte figura.
Podes atopar vídeos en Youtube que che sirvan para proxectar buscando "hologramas para pirámide holografía ":
As nosas imaxes deberán ter un fondo negro para unha millor visualización, se necesitásemos editalas podemos usar o programa de edición de imaxe libre Gimp.
O resultado deberá ser como os seguintes exemplos:
E en Historia do Cine e C. Audovisual estamos co son. A actividade proposta é a realización dun programa radiofónico, estilo radioteatro, no que levaremos un texto a un soporte sonoro. Antes lembrar que este exercicio nos vai servir para corroborar o que xa sabemos, que o son:
•aporta maior realismo.
•aporta moita información, axudando así aos planos.
•que potencia o fóra de campo, xa que o son amplia e suxire espazos e accións que non teñen por qué verse no encuadre.
•que a súa usencia, o silencio, ten tamén un uso expresivo moi importante, xeralmente usado con fins dramáticos.
•que o seu uso deu na aparición de novos xéneros (os musicais)..
•e que potencia outros: policíacos, comedia, documental histórico e didáctico...
Lembrade a trascendencia da "Guerra dos mundos", de Orson Welles e o seu impacto na sociedade americana naquel momento, e a súa capacidade para crear unha realidade ao outro lado da radio....
Lembrade.....
ELEMENTOS DO SON
A banda sonora dun filme consta de 4 elementos: voz
humana, ruidos, música e silencio. Estos elementos pueden
ser dixéticos ou extradixéticos, si a
fonte emisora pertence ou non ao contexto narrativo. Os dixéticos, pueden
ser in (en
campo) ou off (fora
de campo).
DIÁLOGO: - Función formativa. - Función expresiva MÚSICA E EFECTOS DE SON SILENCIO. Inquietante, anticipador, creador de contrastes rítmicos ou estados de ánimo. RITMO EXPRESIVIDADE DO SON:
- Paralelismo sonor, o son corresponde no sentido realista co contido das imaxes.
- Contrapunto sonoro, o son entra en conflito coa imaxe na busca de novos significados.
ACTIVIDADE: PROGRAMA DE RADIOTEATRO.
Imos a narrar unha historia, escolleremos un conto de Isaac Asimov, mestre de relatos de ciencia ficción. Feita a escolla repartiremos o traballo e os grupos. Gravaremos o texto e recolleremos os sons e efectos especiais necesarios para facer o noso conto sonoro o máis realista posible, Seguro que realizaredes un gran traballo!!
Estou a montar os traballiños que me ides mandando, pero para ir empezando vos deixo que disfrutedes co magnífico stopmotion que realizou Paula L.V. estos pasados días nas súa casa.
O próximo día 23 de Abril en todo o mundo se celebra o día do libro, e a pesar do confinamento non imos deixar de festexar este día. Os libros son uns elementos imprescindibles nas nosas vidas: transmiten coñecemento, despertan a nosa intelixencia, nos trasladan a lugares e vivencias inimaxinables e dar corpo aos nosos soños e maxinación.
Pois ben, antes de plantexarvos unha actividade para ese día fagamos un pouco de historia:
Sabiades que foi xa en 1926 cando se celebrou a primeira "Festa do Libro Español"? Pois si, aquel ano, o rei Alfonso XIII firmou un Real Decreto o 6 de febreiro de 1926 onde creaba oficialmente tal conmemoración, a data escollida foi o 7 de outubro, porque se pensaba que Cervantes nacera ese día.
Pero catro anos máis tarde se modificaría para facela coincidir coa súa data de finamento, o 23 de abril, día no que tamén morreran Willian Shakespeare e Garcilaso de la Vega (en 1616).
Este festexo non tardaría en extenderse, e así, a Unesco en 1995, convertiu este día nunha gran festa internacional.
E qué imos facer nós? pois entre outras moitas cousas imos empezar por realizar os nosos propios marcapáxinas, as nosas pequenas pezas artísticas que nos lembren onde continuar no fantástico mundo da lectura.
O tamaño, a técnica, os materiais, todo, a cargo da vosa imaxinación e creatividade, que é moita. De todas formas aquí vos deixo algunhas imaxes para vosa inspiración!
A seguinte película a visionar en historia do cine vai ser "Viridiana", de Luis Buñuel, unha das mellores cintas do cine español. Mirade, escoitade con detenimiento, receptivos porque sí, unha vez máis unha película en branco e negro, lenta, con moitos diálogos, etc,ets,..... pero maravillosa, chea de simbolismos, significados ocultos, relacións prohibidas. Unha gran historia , en pantalla e fóra dela polo contexto no que se realiza. A historia de Viridiana é a historia dunha novicia que, antes de profesar os seus votos é requerida polo seu rico tío para pasar uns días na finca. Unha vez alí, os sucesos se precipitan e desembocan en traxedia. Isto forza a chegada de Jorge, o primo de Viridiana, así como o dun grupo de indixentes aos que a rapaza decide acoller para exercer a súa particular idea de caridade cristiá.... non deixedes de ler o análise da película, vos aportará moita información e facilitará a comprensión de algunhas escenas. Espero que a disfrutedes!!!
A continuación un vídeo realizado por el alumnado de 1º de BAC (C. Audiovisual) en colaboración con los alumnos/as de Cultura Científica. Están llevando a cabo un proyecto sobre residuos plásticos y como hacer bioplástico. Nos pidieron un pequeño vídeo para mostrar al resto del alumnado como podían contribuír en el cuidado de nuestro entorno... este es el resultado:
Como puedes ver en las siguientes frases de diferentes cineastas, el tiempo es uno de los elementos clave en el lenguaje cinematográfico:
"El cine es el transcurso del tiempo". Andreiy Tarkowsky.
"El cine es la vida 24 veces por segundo". Jean-Luc Godard.
"El cine es mejor que la realidad, porque en él no hay tiempos muertos". François Truffaut.
Conceptos Temporales
Según Jean Mitry, existen dos formas de medir el tiempo en cine. Una, de forma objetiva: un plano que dura 5 segundos, una secuencia que dura 2 minutos, una película que dura 105 minutos. La otra, es la percepción subjetiva de ese tiempo, es decir, la sensación personal que cada espectador tiene de ese tiempo (es decir, si esos 5 segundos, 2 ó 105 minutos le pasan rápidamente o se le hacen pesados). Esta percepción subjetiva es sobre la que el realizador debe trabajar, ya que está en su mano utilizar los recursos narrativos para que la sensación del espectador sea siempre positiva.
Estas duraciones subjetivas son las que van marcando el tempo narrativo de la película. su ritmo global. Si cada plano se corta justo en el momento en el que el espectador demanda nueva información, se mantiene vivo su interés. Si se alternan planos de forma rápida, se acelera el ritmo, si se sostienen más de lo convencionalmente esperable, hablamos de una narración lenta. De este modo se consigue el ritmo de atención o se provocan otros (el ritmo se explica más a fondo en el módulo 4).
No hay criterios rígidos para definir cuál es la duración idónea de un plano en pantalla, pero sí se puede partir de algunas pautas previas:
Según el tamaño de plano varía la percepción del tiempo. Un plano general de 5 segundos, al tener mucha información (muchos elementos) para leer, parecerá más corto que un primer plano de 5 segundos (éste exigirá antes un cambio de plano para mantener la atención del espectador).
Un plano con movimiento en la puesta en escena o con movimiento de cámara, aguanta más que uno fijo, ya que ofrece elementos en movimiento que captan la atención del espectador.
En cualquier caso, son criterios muy flexibles, ya que en última instancia es el valor dramático de cada plano el que determina su interés, y por tanto, el tiempo que puede aguantar en pantalla antes de que el espectador demande un plano nuevo. Por ejemplo, el primer plano de un personaje que acaba de sufrir un shock emocional, aunque tiene pocos elementos objetivos de lectura (tan sólo un rostro), tiene un gran valor dramático, ya que estamos ante en un punto de intensidad emocional que permite mantener más tiempo el plano en pantalla (el tiempo que se toma el espectador en "leer" dentro del personaje).
Además de la duración de cada plano, el realizador tiene otros recursos narrativos, como los ralentizados de imagen, los acelerados, las elipsis, etc... que le permiten manipular el tiempo real para convertirlo en tiempo cinematográfico, y así dinamizar el relato. Decía Alfred Hitchcock que el cine es como la vida real a la que se le han cortado los momentos aburridos (los tiempos muertos).
Se llama elipsis a la supresión temporal entre un plano y el siguiente. Por ejemplo, en un plano un personaje cierra la puerta de su vivienda y en el siguiente aparece conduciendo su coche. Lo que ocurre entre que cierra la puerta y sube al coche no se le cuenta al espectador, bien porque el director lo considera poco importante o bien porque en ese lapso de tiempo se produce algo que el director quiere contar más tarde (en este caso es un recurso típico de suspense). En Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1940) Orson Welles nos muestra un diálogo entre Kane y su primera esposa en plano-contraplano unidos por barridos, al final del cual vemos que has pasado varios años y que la pareja se ha distanciado afectiva y físicamente.
Los saltos atrás en el tiempo se denominan flashback (escena retrospectiva o analepsis). La narración lineal de los hechos se interrumpe para introducir un episodio pasado, bien sea porque lo está recordando o soñando un personaje o bien porque directamente el director decide contarlo en ese punto concreto. La acción inversa, trasladar la narración al futuro, se denomina flashforward (prolepsis).
A veces se hace coincidir el tiempo de la representación y el tiempo de lo representado de tal modo que los hechos se narran en tiempo real.
La película La Soga (Rope, 1948) de Hitchcock, es un ejemplo de película narrada en un plano secuencia único por lo que coinciden tiempo fílmico y tiempo real. Pero esto, por supuesto, no es nada habitual. La coincidencia temporal se suele dar dentro de una película en secuencias aisladas.
De hecho, la película La Soga contiene 8 planos de 10 minutos que se corresponden con 8 rollos de película. Hitchcock hizo 10 tomas de 5 a 9 minutos, que montó con 4 empalmes convencionales y otros 5 de fundido con los personajes. La toma larga sustituye, con encuadres móviles y puntos de vista cambiantes, al montaje. Un buen ejemplo para entender esto son los largos planos secuencia de apertura de las películas Sed de mal(Touch of Evil, 1958) de Orson Welles y El juego de Hollywood (The Player, 1992) de Robert Altman.
El tiempo puede ser modificado durante la grabación o en la posproducción: con movimiento acelerado, con movimiento ralentizado (cámara lenta), con inversión de tiempo, con parada de imagen (congelado o frame-stop), y con técnicas creadas con programas de ordenador, como la utilizada en The Matrix (Larry y Andy Wachowski, 1992) denominada time slice photography (tiempo congelado conocido como "efecto Matrix").
El modo en que se trata el tiempo es determinante en la construcción del relato cinematográfico. Gracias a la fragmentación espacial y temporal, se puede conseguir adaptar el tiempo a las exigencias artísticas del director de la película.
En El acorazado Potemkin (Bronenósets Potyomkin, S.M. Eisenstein, 1925) se encuentra una de las grandes secuencias de la historia del cine, la de la escalinata de Odessa. En ella se narra la matanza por las tropas zaristas que disparan contra una multitud que segundos antes intentaba subir por las escaleras desde el puerto. Para contarla, Eisenstein, expande el tiempo, fragmentando la acción con 170 planos que muestran abatimientos, disparos, personajes que gritan, soldados que avanzan..., aportando dramatismo y dirigiendo las emociones de los espectadores. Al montar todos estos detalles juntos, la duración de la secuencia se alarga a casi diez minutos. Sin embargo, si esta acción se hubiera contado en un único plano general, por ejemplo, respetando el tiempo real que esta acción pudiera conllevar, la secuencia no hubiera durado más de 2-3 minutos. Al montar todos los detalles en continuidad, Eisenstein puede estirar el tiempo real, con un único objetivo, que es el de llevar al espectador a cada instante que él quiere destacar expresivamente.
El cine
compone con formas, luces, colores, texturas, profundidad y movimientos,
para representar un espacio tridimensional.
Un encuadre tiene profundidad
de campo cuando se muestran enfocados planos cercanos y lejanos.
Encuadre, Campo y Fuera de Campo
Encuadre:
Es el límite físico de la imagen, que
presenta lo que se ve en pantalla. En el encuadre intervienen aspectos como
la posición de la cámara, las características de la
fotografía, el movimiento, la perspectiva, la profundidad
de campo y los efectos especiales de composición de
la imagen.
El encuadre, utilizado por los grandes
cineastas desde Lumière, transforma la realidad cotidiana en hecho
cinematográfico. Lumière no coloca la cámara perpendicular a la llegada del
tren como si fuera el teatro, sino en ángulo oblicuo consiguiendo una
composición dinámica, potente y bella.
El encuadre afecta a:
·El tamaño y forma de la imagen.
·El campo y fuera de campo.
·La distancia y el ángulo de visión.
·El movimiento en la puesta en
escena.
Campo: Todo
lo que se muestra dentro de los bordes de la imagen.
Fuera de Campo: Conjunto
de elementos espaciales (y sonoros) que forman parte de la escena, pero que
no se muestran en la pantalla. El uso del fuera de campo (espacio en
off y sonido en off) permite sugerir sin mostrar. Así se motiva al
espectador para que se esfuerce en imaginar lo que no ve y para que
participe en la narración. Como dijo Roland Barthes, el cine tiene un
poder que a primera vista la fotografía no posee; el personaje que sale de
campo continua viviendo en un área no visible que existe sin que cese la
visión parcial.
Además, el uso del fuera de campo puede
suponer una economía de medios en la producción de una película, al no tener
que rodar todos los planos para ofrecer toda la información.
Tipos de Plano
Un plano es:
En el rodaje, la porción
de espacio que toma la cámara (y su escala relativa).
En la pantalla, cada
fragmento que se muestra en continuidad, sin cortes.
En el encuadre, la
posición relativa (primer o segundo plano).
Una película
suele tener entre 5 y 40 fragmentos narrativos, llamados secuencias,
pero puede tener cientos de planos.
El tipo de
planos (y movimientos de cámara) puede ser tan importante como la puesta en
escena, creando espacios y tiempo y enriqueciendo la forma narrativa de la
película. También puede dar lugar a diferentes estilos cinematográficos.
El plano es
una unidad muy compleja en la que se combinan todos los elementos de
decorado, atrezzo, personas, fotografía y tiempo.
La clasificación
de planos está referenciada a la figura humana.
GPG - Gran plano
general: también llamado Panorámico, es de
carácter descriptivo, una visión general de un paisaje, espacio o multitud
donde se desarrolla la acción.
PG - Plano general:
más limitado pero incluyendo a los personajes. Si es un plano
general corto, muestra figuras humanas completas en relación con el
entorno.
PA - Plano americano o
tres cuartos: el que corta las figuras a la altura de las
rodillas.
PM - Plano medio: la
figura cortada por la cintura. Nos acerca al personaje. Puede ser PML, plano
medio largo, si es algo más abierto, o PMC, plano
medio corto, si es más cerrado, cortado por el pecho (busto).
PP - Primer plano: es
un plano corto que muestra la cabeza o el rostro y con ello el carácter,
la intención, los sentimientos... Si encuadra solo una parte es un primerísimo
plano, PPP.
PD - Plano-detalle:
o gran primer plano es el que dirige la atención a algún
centro de interés de tamaño pequeño (una mano, un ojo,...).
Encuadre Móvil
El encuadre
móvil es característico del cine. El encuadre cambia dentro de un plano con
los movimientos de cámara:
Panorámica: la
cámara gira sobre su eje, horizontal o verticalmente, recorriendo el
espacio o siguiendo a los personajes. Si el movimiento es muy rápido,
desenfocando la imagen, se llama barrido.
Travelling: la
cámara se desplaza siguiendo o acompañando la acción, trasladándose al
hombro, sobre ríeles, sobre un artilugio con ruedas (dolly)
o con la steadicam(cámara con estabilizador).
Plano grúa: la
cámara montada sobre un brazo articulado puede moverse en todas
direcciones y realizar tomas con movimientos complejos.
Zoom: La
cámara no se mueve, es el objetivo con lente focal variable el que abre o
cierra el espacio, alejando o acercando las figuras, y, en definitiva,
cambiando el encuadre.
Algunos otros
conceptos sobre planos:
Planos trucados con
efectos especiales: sobreimpresiones,
retroproyecciones, planos Matte (planos pintados). En
estos últimos se graban por separado las personas y los decorados, e
incluso se realizan digitalmente, como en La inglesa y el Duque(L'anglaise et le duc, Eric Rohmer,
2001).
Plano subjetivo, la
cámara mira a través de los ojos de un personaje y nos muestra lo que ese
personaje está viendo.
Plano-contraplano, es
el intercambio de planos entre personajes que conversan orientados en
torno a un eje de referencia.
Plano picado: plano
en el que la cámara enfoca a los personajes por encima de la altura de sus
ojos. Una variedad del plano picado es el plano cenital (o
picado puro), que se produce cuando la cámara se sitúa justo encima de los
personajes, en perpendicular al suelo (como una vista de pájaro).
Plano contrapicado: plano
en el que la cámara enfoca a los personajes justo por debajo de la altura
de sus ojos. Una variedad del plano contrapicado es el plano nadir (o
contrapicado puro), que se produce cuando la cámara se sitúa justo debajo
de los personajes (desde el suelo, enfocando hacia arriba).
Plano máster (mastershot):
toma en continuidad de toda la acción de un rodaje que sirve como
referencia para ir encajando las diferentes tomas o suplir las fallidas.
Plano secuencia: o
montaje en el plano. Es el desarrollo de una acción sin cortes a través
del movimiento planificado de la cámara siguiendo la acción y moviéndose
entre los personajes.
