Se cumplieron el 25 de septiembre los 20 años tras la muerte del artista César Manrique. Para conmemorarlo la Fundación César Manrique proyectó el documental realizado por Juan Carlos Ortega para "La mitad invisible" bajo el título Lanzarote: César Manrique. Excelente ejemplo de utopías posibles y turismo sostenible.....
Edward Hopper en el Thyssen
Del 12 de junio al 12 de septiembre podremos disfrutar de una exposición de Edward Hopper en el Museo Thyssen, imprescindible verla si os acercáis a Madrid este verano...
Informe Semanal - Hooper, el tiempo detenido
¡Nuestro cole ha salido en la tele!
Este es el vídeo final del spot "lavado de manos" realizado en nuestro cole para la campaña sanitaria propuesta con motivo de la celebración del día mundial del lavado de manos. Todo el trabajo preparatorio y diseño del video clip fue realizado por los alumn@s de 3º de ESO contando con la inestimable ayuda de la Fundación TIC y de Abrigueiro Estudios.
El resultado es fantástico, el rodaje ha sido genial y salimos tod@s guapíiiiiiisimossss!!!!
Aquí dejo el vídeo final y los enlaces a medios en los que hemos salidos... ¡ que son un montón!
¡ENHORABUENA !
En el Progreso el 8 de mayo:
Telexornal de las 14:30 del 8 de mayo:
En la radio en el programa Diverclub entre las 17 y 18 h el 8 de mayo:
En el telediario de TVE de las 21h en el min 5 aproximadamente del día 7 de mayo:
TVE, telediario:
En la TVG:
En el Progreso:
En la Voz de Galicia:
Subastada un obra de Rothko
Una obra de Rothko alcanza más de 66 millones de euros en una subasta de Nueva York
- El precio se disparó vertiginosamente tras una intensa puja
- Christie's asegura que es la obra más importante de Rothko
- Data de 1961y se enmarca en el arte contemporáneo y de posguerra
http://www.rtve.es/noticias/20120509/obra-rothko-alcanza-mas-66-millones-euros-subasta-nueva-york/523398.shtml
RTVE.es / Efe 09.05.2012 - 05:26h
"Naranja, rojo, amarillo" es la obra del pintor de EE.UU., Mark Rothko, vendida este martes por más de 66 millones de euros
La obra Naranja, rojo, amarillo, de Mark Rothko, se ha convertido este martes en la estrella de una subasta de arte contemporáneo y de posguerra celebrada en Nueva York por la casa Christie's, alcanzando un precio de 86,8 millones de dólares (66,8 millones de euros).
"Este cuadro de Rothko, que data de 1961, es una obra maestra que ha atraído la atención de mucha gente por su valor y belleza", ha explicado a Efe Laura Paulson, directora de la venta, en la que se recaudó un total de 388 millones de dólares (299 millones de euros).
El cuadro más importante del artista estadounidense (1903-1970), vendido en 2007 por 72,8 millones de dólares (56,10 millones de euros), es la "personificación" del arte de Rothko, según Paulson, quien ha añadido que "en él se recrea una experiencia que invoca lo trascendental".
"La extraordinaria escala y la fuerza de la paleta de esta obra sublime son la esencia de la profunda visión de Rothko", ha explicado Paulson sobre el cuadro, que se vendió a las 20:00 hora local (2.00 hora peninsular), una hora después del comienzo de la subasta y tras una intensa puja que disparó vertiginosamente el precio de la obra.
Otra de las estrellas de la venta fue FC 1, de Yves Klein (1928-1962), por el que se pagaron 36,4 millones de dólares (28 millones de euros).
Esta pintura, una de las más importantes del periodo de posguerra, en la que el artista francés combina su característico color azul con pigmentos rosas para representar el fuego y unas siluetas humanas, es la última que pintó, tan sólo unas semanas antes de su prematura muerte, a los 34 años.
"Esta obra de Klein es para Europa lo que la pintura 'Número uno' de Pollock es para EE.UU., y en ella se encarnan las obsesiones de este artista por reconciliar los conceptos de la presencia y la ausencia, la vida y la muerte", describió la experta en arte de posguerra Loic Gouzer en un comunicado.
Por su parte, el cuadro Número 28 de Jackson Pollock (1912-1956), pintado en 1951, se vendió por 23 millones de dólares (17,7 millones de euros). En esta obra maestra del expresionismo abstracto se combina el esmalte negro con la pintura gris, salpicada con las características gotas del artista estadounidense en blanco, amarillo y rojo.
Onement V, un lienzo en azul cerúleo con la firma de Barnett Newman (1905-1970) ha alcanzado un precio de 22,4 millones de dólares (17,23 millones de euros), ya que no había salido una obra del artista de tanta magnitud en los últimos veinte años.
Una de las icónicas latas de sopa Campbell de Andy Warhol (1928-1987), la de Ternera con chili, se vendió por 7,3 millones de dólares (5,62 millones de euros), mientras que la fotografía Sin título #96, de Cindy Sherman, alcanzó los 2,8 millones de dólares (2,15 millones de euros).
OTROS ENLACES:
http://www.diariodenavarra.es/noticias/mas_actualidad/cultura/2012/05/09/rothko_convierte_estrella_una_subasta_nueva_york_79676_1034.html
http://www.artelista.com/articulos/news423/rothko-el-nuevo-rey-del-arte-contemporaneo.html
http://www.antena3.com/noticias/cultura/naranja-rojo-amarillo-mark-rothko-vendido-millones-euros_2012050900022.html
Marc Chagall en Madrid
Quedan pocos días ya para disfrutar de la exposición organizada por el museo Thyssen y Caja Madrid. En el Thyssen se expone la obra realizada en el periodo entre 1909/1947, mientras que en la Sala de exposiciones de Caja Madrid la obra realizada en Francia a partir 1948/1985.
No dejéis de visitarla si tenéis portunidad de acercaros a Madrid antes del 20 de Mayo.
Marc Chagall (Vitebsk, 1887 - Saint-Paul de Vence, 1985).
No dejéis de visitarla si tenéis portunidad de acercaros a Madrid antes del 20 de Mayo.
Marc Chagall (Vitebsk, 1887 - Saint-Paul de Vence, 1985).
El circo azul (Le cirque bleu).
Año 1950/1952.
El fresco perdido de Leonardo
http://www.elmundo.es/elmundo/2012/03/12/cultura/1331570265.html
ITALIA | Tras una pintura de Vasari
Investigadores observan con una sonda qué hay tras el fresco de Vasari.| AFP/N. Geographic
Una reconstrucción de cómo sería el 'Leonardo perdido'. | AFP
Una sonda a través del fresco de Vasari.
ITALIA | Tras una pintura de Vasari
- Hallan pigmentos que podrían pertenecer al mural tras un fresco de Vasari
- Se guiaron por una inscripción en la pintura de Vasari: 'El que busca encuentra'
Efe | Reuters | Roma | Florencia
Actualizado lunes 12/03/2012 21:36 horas
Apenas unas semanas después de que el museo del Prado anunciase el hallazgo de una 'hermana' de la Gioconda elaborada en el propio taller de Leonardo Da Vinci, el genio renacentista y sus misterios vuelven a dar una nueva sorpresa. Según ha desvelado este lunes un equipo de investigadores, unos restos de pigmento negro encontrados tras un falso muro del Palacio Viejo de Florencia (centro de Italia) podrían pertenecer al 'Leonardo perdido': el fresco de Leonardo da Vinci (1452-1519) 'La Batalla de Anghiari'(1452-1519).
El director de la investigación, el italiano Maurizio Seracini, llevaba tras la pista de la pintura de Leonardo -perdida hace cinco siglos- más de 30 años. Seracini compareció ante la prensa en Florencia para informar sobre el hallazgo en el Palacio Viejo (actual sede del Ayuntamiento florentino) de estos restos, que se cree pueden provenir de la anterior obra perdida del genio renacentista, datada en los primeros años del siglo XVI.
Según Seracini, la muestra de material negro, encontrado en una pared oculta tras un falso muro en el Salón de los Quinientos del Palacio Viejo, tiene una composición química compatible con la usada por el genio renacentista en 'La Gioconda' y en el 'San Juan Bautista', que se conservan en el Museo del Louvre de París.
"Aunque estamos aún en la fase preliminar de la investigación y hay aún mucho trabajo que hacer para poder resolver el misterio, las pruebas demuestran que estamos buscando en el lugar adecuado", dijo el investigador.
'El que busca encuentra'
A comienzos del siglo XVI, los líderes florentinos encargaron a Leonardo un gran fresco para celebrar la victoria de la República de Florencia sobre la milanesa en la batalla de las llanuras de Anghiari, que tuvo lugar en junio de 1440. El genio renacentista abandonó el proyecto un año después, probablemente porque una nueva técnica experimental para los frescos había fallado.
El misterio sobre el paradero del fresco de Leonardo se remonta al 1560, varias décadas después del proyecto, cuando el pintor y arquitecto toscano Giorgio Vasari (1511-1574) recibió el encargo de decorar y reestructurar el Salón de los Quinientos del Palacio Viejo. Todas las pistas del trabajo de Leonardo se pierden tras el fresco que encargaron a Vasari: 'La batalla de Marciano'.
A partir de ahí empiezan las cábalas sobre qué hizo Vasari con el fresco de Leonardo, que tenía problemas de conservación por la técnica que había utilizado para pintarlo, pero que muchos reprodujeron pues pudieron contemplarlo durante los años que estuvo la obra expuesta en esa sala del Palacio Viejo, en la que se reunía el Consejo Mayor de la República de Florencia.
Seracini obtuvo en 2007 la autorización del Gobierno italiano para proceder a la exploración de la pintura de Vasari sobre la batalla de Marciano en Val di Chiana. Guiado por una inscripción a 12 metros del suelo, sospechó que la pared este de la sala, donde se encuentra la anterior pintura, podía ocultar el fresco de Leonardo da Vinci.
En esa inscripción, un soldado florentino de la pintura de Vasari, mueve un estandarte con las palabras "Cerca trova" ("El que busca encuentra"), algo interpretado por el investigador como una pista que pudo dejar el arquitecto, quien, como admirador del trabajo de Leonardo, habría intentado conservar la obra del autor de 'La Gioconda'.
Algunos detalles
Con un radar, el equipo de investigadores descubrió un espacio vacío entre la pintura de Vasari y el muro posterior, y mediante una sonda con microcámara, introducida a través de seis pequeños orificios en la pared falsa, una capa beige que solo pudo ser pintada con pincel.
Además de los restos de pigmento negro y de la capa beige, se han localizado varios fragmentos de material rojo, que se pueden asociar a una laca de ese color, cuya presencia es muy improbable en la construcción de una pared normal.
"Encontramos trazas de pigmentos que parecen ser los que sabemos que usaba exclusivamente Leonardo", explica Seracini. "Estos datos son muy esperanzadores".
El proceso en busca del 'Leonardo perdido' ha sido controvertido, en parte porque los investigadores han tenido que practicar varios orificios sobre el trabajo de Vasari y porque no todo el mundo coincide en que el fresco de Leonardo esté todavía ahí.
El equipo de Seracini trabaja en esta investigación con el apoyo de National Geographic, la Universidad de San Diego y el Ayuntamiento de Florencia, entre otras instituciones.
La investigación de esta obra maestra, que según algunos expertos era una de las más significativas de Leonardo, es "una iniciativa importante" para la National Geographic Society, afirma en un comunicado divulgado en Italia el vicepresidente ejecutivo de esa sociedad, Terry García.
Pese al entusiasmo de los investigadores, algunos historiadores del arte son escépticos y creen que el fresco de Leonardo debió de ser destruido antes de que Vasari pintase el suyo. De hecho, algunos historiadores de arte que trabajaban en el proyecto retiraron su apoyo.
Además, Italia Nostra -el grupo italiano líder en conservación de obras de arte- ha pedido a las autoridades florentinas que suspendan el proyecto porque podría dañar el fresco de Vasari y creen que es poco probable que el 'Leonardo perdido' siga ahí.
El alcalde de Florencia, sin embargo, está convencido de que el fresco de Leonardo sigue tras el muro y que la tecnología moderna permitirá al público admirar ambos. "Pero si tuviese que elegir, elegiría a Leonardo".
LOS INFIERNOS Y PARAÍSOS DE DALÍ
Novacaixagalicia expone en Ferrol los 100 grabados con los que el genio ilustró ‘La Divina Comedia".
Infierno, purgatorio y paraíso. Salvador Dalí recreó con sus pinceles el viaje al averno que Dante Alighieri había dibujado con palabras siete siglos antes en la La Divina Comedia. El resultado son 100 grabados que se columpian entre el clasicismo grecorromano, los escorzos barrocos y el surrealismo salvaje y que desde ayer por la tarde cuelgan en las paredes del segundo piso de la fundación cultural de Novacaixagalicia en Ferrol. Son parte de los fondos de la colección que Caixanova llevó en 2007 a la Freedom Tower de Miami y que itineró por las sedes culturales del sur de Galicia antes de la fusión.
Dalí (Figueres, 1904-1989) condensó todo su universo artístico de filias y fobias en 34 acuarelas infernales, otras 33 del purgatorio y 33 más de un paraíso que tienen la forma de Gala, su musa y esposa, reconvertida en un ángel que suplanta a Beatriz, a quien Dante idolatraba en sus poemas. “Dalí bajó al infierno con sus demonios y todas sus obsesiones están aquí: las formas blandas, el deseo sexual y la muerte”, explica Paloma Vela, responsable de Artes Plásticas de Novacaixagalicia.
La más recurrente de sus fijaciones, sexo=muerte, está concentrada en la anamorfosis de una calavera (Canto 14 del Infierno, en La Divina Comedia) que parece derretirse sobre la tierra. Reblandecer la materia fue la manera que encontró para transformar lo real en irreal. Los dientes del cráneo son como las teclas del piano en el que su padre médico solía colocar un libro sobre enfermedades venéreas que marcó a Salvador Dalí como hombre y como artista.
Las obras están ordenadas como los capítulos del libro inmortal de Dante
La historia de los grabados tiene detrás un trasfondo sociopolítico que, una vez más, colocó al artista catalán en el centro de polémica entre izquierdas y derechas ideológicas que era ajena al arte. Las ilustraciones fueron un encargo del Gobierno italiano para adornar una edición de lujo de la celebérrima obra de Dante que iba a publicarse en 1965 para conmemorar el 700 aniversario de su nacimiento en Florencia.
Una de las obras expuestas.
Dalí pintó en pocos meses 100 acuarelas que luego transformó en grabados para que pudieran reproducirse mecánicamente. Sin embargo, el trabajo encendió una agria polémica entre los comunistas italianos, que se negaban a hacer de Dante un artículo de lujo, y los conservadores, disgustados porque el ilustrador de su poeta nacional fuera un catalán.
En resumen, cuenta Vela, Italia pagó un dineral a Dalí por un encargo que no se publicó de la forma que se había previsto. El pintor se llevó sus acuarelas a un taller parisino y de cada dibujo se fabricaron 35 planchas. En total, 3.500 tablillas para que cada xilografía conservase la plasticidad que el artista exigía y que se publicó en seis volúmenes entre 1960 y 1964.
Italia pagó un dineral por el encargo, que no llegó a publicar
“Uno de los grandes méritos de esta colección es la técnica porque logró trasladar la textura de una acuarela a la madera”, explica la responsable de Artes Plásticas de NCG, para subrayar que La Divina Comedia es el máximo exponente de la obra de Dalí como ilustrador. Polifacético como pocos —pintó, esculpió, trabajó en cine y hasta diseñó escenografías y vestuario de ópera—, el controvertido genio catalán encontró en este encargo del Gobierno de Italia el contenedor ideal para hacer su particular exorcismo freudiano casi siempre sobre el paisaje de su casa del Ampurdán (Girona). “Le dio la oportunidad de profundizar en sus demonios y reflexionar en voz alta a través de su arte”, reflexionan desde la fundación.
Los 100 grabados, pintados a partir de 1959, están ordenados como los capítulos del libro que Dalí accedió a ilustrar y avanzan desde el averno negro y rojo hacia un paraíso colorido y luminoso. El genio del surrealismo, que para entonces ya había sido apartado del núcleo fundacional del movimiento, quiso rendir tributo a sus maestros tal y como Dante hizo con Virgilio en su obra. Entre los dibujos —numerados como cantos— que se exhiben en Ferrol figura su personal homenaje a la técnica del sfumato que ideó Leonardo da Vinci (canto 8), al Guernica de Picasso (canto 4), al Angelus de Millet (canto 23) e incluso a Goya y Velázquez. La exposición, hasta el 3 de junio, incluye talleres para niños y visitas guiadas.
Noticia extraída de El País, Galicia:
http://ccaa.elpais.com/ccaa/2012/02/28/galicia/1330461852_728370.html
SINESTESIA
Y retomamos el tema de la sinestesia, como adelanto este curioso caso: James Wannerton tiene sinestesia, una condición en la que los sentidos se juntan
y hacen que las sensaciones que normalmente percibimos por separado se
entremezclen.
Muere Antoni Tàpies, la materia hecha arte
El artista catalán falleció ayer en su domicilio de Barcelona a los 88 años. Renovador fundamental del arte español, era el último gran representante de la vanguardia pictórica y escultórica.
Foto: Quique García.
La enfermedad del cuerpo y La Montaña Mágica, de Thomas Mann, en el sanatorio de Puig d’Olena, el mismo al que llegó el joven Antoni Tàpies poco después de la muerte, 1942, del sutil poeta Marius Torres, que con su personalidad había inundado los ámbitos y ambiente del lugar y que siempre amó ambos extremos de la vida, las raíces y la cumbre infinita, al igual que el árbol sumergido en la tierra y penetrando, respirando y unido al cielo con, además, la múltiple función de la madera para hacer cómoda la vida y su alianza con el fuego para consumirse a sí mismo.
Ese ambiente pudo dar a la obra del futuro artista matérico aquel fuerte regusto de apego y alejamiento de todo lo que es inmediato y que, si en lo esencial coincidía con lo narrado por el novelista alemán, en lo material era muy diferente porque en el sanatorio había encontrado la contradicción entre lo que se desea y lo que se encuentra.
El surrealismo, la admisión de que es lo interno y no lo externo lo que nos constituye, pero no porque la subjetividad nazca de sí misma sino porque es la realidad del mundo que la constituye y es nuestra persona que elabora los contenidos proporcionados por la realidad aparentemente mundana, que no lo es porque lo simple e inmediato es lo único a que nos podemos asir.
Viajar el mundo y el descubrimiento de las materias como el medio de expresión más directo de la subjetividad. La brutalidad gestual a partir de los años 1954-55. El asentamiento simbólico y la preocupación científica acerca del mundo, con retorno a los sentimientos y vivencias directos.
El poder de la familia y los afectos directos que derivan hacia los de la «patria catalana ultrajada y no respetada».
Las experiencias y los experimentos con las materias y los procedimientos para utilizarlas de la forma más efectiva para que muestre (más que represente) lo que se siente y lo que se piensa.
ABC
«M» (1960)
El gran mérito de Tàpies es haber sabido, presentido sensiblemente, cuándo una obra matérica está acabada; así supera aquel problema planteado por Balzac en Un chef d’oeuvre inconnu, cuyo autor, por querer desarrollar la obra total, aquella que contiene el múltiple e indefinido enjambre envolvente de los sentimientos, querencias y necesidades vitales y espirituales de cada vida particular, no sabía, no conseguía nunca llegar a la pincelada definitoria, envolvente y oclusiva de su obra. Tàpies no se halla en esta situación de indefinición sino que sabe y es consciente de que la realidad se muestra por etapas y sucesivamente, y que cada momento tiene su realidad particular y su afán, lo que motiva que cada obra, a pesar de haber sido hechas todas ellas con los mismos o similares materiales, tienen como resultado que cada una es definitiva y única, exclusivamente expresiva y representativa porque en cada cuadro, en cada objeto elaborado ha intervenido su gestualidad particularizada, retenida para aquel momento concreto de su sensibilidad y necesidad expresiva.
Los premios nacionales e internacionales, las menciones honoríficas y las medallas pueden adornar socialmente su obra plástica, pero esta obra misma funciona sola en los espacios públicos y en los museos y da satisfacción a infinidad de personas a las que su sucesiva aparición colmó sus ansias filosóficas, políticas e incluso poéticas.
Los grandes formatos, las mejores de entre sus obras, figurarán en nuestro horizonte plástico como declaración de intenciones que aceptarán otras tantas adscripciones pero lo que sí queda seguro y confirmado es que Tàpies con sus graffiti, sus materias y sus pseudo símbolos atrapa a quien percibe las obras.
ENRIC TORMO
Tàpies, en 1949
Él creía que el arte sanaba; seguramente esto no es verdad, pero sí que ciertas obras de arte ayudan a soportar las circunstancias y sirven para andar con paz y sosiego por el mundo actual nuestro. Del que Tàpies es uno de sus más profundos debeladores y que sintió en sus entrañas ya desde su juventud.
Casi se podría decir que su primera obra coincide con la última y que lo de Dau al Set no fue más que una aventura; como lo fue también para cada uno de sus componentes, entonces amigos íntimos y con el tiempo contrincantes acérrimos. Esto es la vida y así se traza la historia real.
Galén con REBIBIR
Dejo colgado el vídeo realizado con las postales elaboradas por los alumnos y alumnas de 2º y 3º de ESO. Habéis hecho un gran trabajo y no solo en la parte plástica, el retoque con photoshop de las fotos de Luis Martín Espada ha quedado precioso. Vuestra colaboración desinteresada, entusiasmo, curiosidad y participación con el proyecto dice grandes cosas de cada uno de vosotr@s. Ha sido un auténtico placer compartir este trabajo con vosotros. ¡Enhorabuena y felices fiestas!
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