TEATRO DE SOMBRAS.

El pasado 5 de junio celebrábamos en el cole el Día del Medioambiente. Para la ocasión decidimos hacer una pequeña representación que incorporase un teatro de sombras. Buceando en internet encontré el precioso cortometraje del francés Pierre Bourrigault "Aubade", una delicada y preciosa visión sobre la relación del hombre con la naturaleza, pura poesía visual. 
Así que manos a la obra: dos de los alumnos prepararon una danza introductoria en la que se confrontaban la naturaleza frente al aspecto más destructivo del hombre. Dábamos así paso a un pequeño teatrillo de sombras, en el que combinábamos elementos audiovisuales proyectados con nuestros sencillos títeres-siluetas, hechos con cartón, restos de transparencias, alambre y palos. Os dejo a continuación el vídeo en el que recogimos el trabajo realizado por los alumnos y alumnas de 4º de ESO de Dibujo Artístico, de los que me siento muy orgullosa, por su dedicación, esfuerzo y siempre espíritu colaborador.

 

8M: DÍA DE LA MUJER


Audiovisual realizado en el cole, con motivo de la celebración del Día de la Mujer..... Por un mundo libre de machismo!!!!


GALÉN EN MANERAS DE EDUCAR

Aquí dejo el enlace al programa  Maneras de Educar, así nos vieron y así nos lo mostraron. Una gran experiencia para tod@s el haber participado en el rodaje.





SOBRE STOPMOTION


El stop motion o animación cuadro por cuadro ha sido utilizada desde los primeros filmes en la historia del cine y sigue presente en la actualidad.



El stop motion o animación cuadro por cuadro es una técnica que inició casi a la par que la historia del cine. Las obras que se han realizado con ella son tan variadas como los métodos que existen para su confección. Hoy en día podemos disfrutar de impresionantes largometrajes realizados con esta técnica.
Para resumir, se puede decir que esta técnica de animación consiste en aparentar el movimiento de objetos inanimados o estáticos mediante una serie de imágenes sucesivas. Estas imágenes se realizan una por una y en cada una de ellas se hace un ligero movimiento de los objetos a animar para que, al correr la toma, se aprecie el movimiento.
Los materiales que se utilizan para animar son diversos: muñecos, plastilina, recortes, tizas, juguetes, muñecos articulados especiales... Actualmente también se utiliza la impresión 3D para este fin.
Para comprender mejor a la animación cuadro por cuadro vale la pena nombrar sus distintos tipos, aunque cabe decir que no se trata de una lista fija o inamovible. El stop motion es un proceso profundamente artesanal y artístico, así que cada director y creativo escogen el mejor camino para su proyecto.
Las dos grandes ramas del stop motion son: el claymation y la animación con objetos rígidos. El claymation (plastimación) se destaca por usar materiales maleables como la plastilina o arcilla. Las figuras con estos materiales pueden tener o no un esqueleto de metal para animarse y también hay un subgénero dentro de esta que se caracteriza por transformar en pantalla las figuras, ya sea al derretirlas con calor o combinándolas con otros materiales. Esto es característico, por ejemplo, en los trabajos de Allison Schulnik.

Mound by Allison Schulnik from Allison Schulnik on Vimeo.


En cuanto a las figuras rígidas, y si hablamos de personajes en particular, estos pueden no tener movimiento en sus facciones para sus expresiones o bien ser completamente articulados, con un impresionante trabajo detrás para conseguir la secuencia de los movimientos. En este punto podemos mencionar los trabajos del estudio Aardman Animations, creadores de Chicken Run, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit y la película de Shaun the Sheep. Así como el impresionante estudio Laika, creadores de ParaNorman, Coraline, Boxtrolls y, recientemente, Kubo and the two strings.

Entonces, viajemos un poco en el tiempo tal y como hace el vídeo realizado por Vugar Efendi y compartido en su cuenta de Vimeo. En él podemos apreciar en primer lugar un pequeño segmento de The Enchanted Drawing del director James Stuart Blackton. A partir de ahí vemos la evolución de los filmes creados con esta técnica, algunos son clave y han hecho que el stop motion, antes que caer en desuso, solo se haya mejorado y que nos sigue sorprendiendo en la pantalla grande.



Los filmes incluidos en el vídeo son los siguientes:

  1. The Enchanted Drawing (1900)
  2. Fun at the Bakery Shop (1902)
  3. El Hotel Electrico (1905)
  4. Humorous Phases of Funny Faces (1906)
  5. The Cameraman's Revenge (1912)
  6. The Night before Christmas (1913)
  7. Häxan (1922)
  8. The Lost World (1925)
  9. The Tale of Fox (1930 version)
  10. King Kong (1933)
  11. The New Gulliver (1935)
  12. The Beast from 20,000 Fathoms (1953)
  13. It Came Beneath The Sea (1955)
  14. Earth vs Flying Saucers (1956)
  15. The Seventh Voyage of Sinbad (1958)
  16. Jason and the Argonauts (1963)
  17. Closed Mondays (1975)
  18. Star wars IV: A New Hope (1977)
  19. Star Wars V: Empire Strikes Back (1980)
  20. Clash of the Titans (1981)
  21. The Terminator (1984)
  22. Robocop (1987)
  23. Beetlejuice (1988)
  24. Wallace and Gromit: A grand day out (1990)
  25. The Secret Adventures of Tom Thumb (1993)
  26. The Nightmare Before Christmas (1993)
  27. James and the Giant Peach (1996)
  28. Chicken Run (2000)
  29. Corpse Bride (2005)
  30. Coraline (2009)
  31. Mary and Max (2009)
  32. Fantastic Mr.Fox (2009)
  33. The Pirates! In an Adventure with Scientists! (2012)
  34. Paranorman (2012)
  35. Frankenweenie (2012)
  36. Star Wars VII: The Force Awakens (2015)
  37. The Little Prince (2015)
  38. Anomalisa (2015)
  39. Kubo and the Two Strings (2016)



STOP MOTION COMO EFECTO ESPECIAL

Sabemos bien que en el cine se utilizan infinidad de efectos especiales. Uno de ellos es precisamente el stop motion, y ha usado más de las veces que creemos. Generalmente se asocia esta técnica de animación con filmes (cortometrajes y largometrajes) de corte infantil o familiares, sin embargo, esto no es así del todo. Como podemos ver en el vídeo y en la lista de filmes que lo conforman, el stop motion fue una técnica muy recurrida en cintas que necesitaban efectos fantasiosos, con criaturas y monstruos, por ejemplo. Tal es el caso de la cinta King Kong de 1933 o de Jason and the Argonauts de 1963.

Otro caso notable en el que se usó stop motion es en las películas de Star Wars. Para Star Wars V: Empire Strikes Back se partió de la técnica original de animación con una variante, lo que dio pie a la confección de una técnica llamada: go motion. Esta se distingue de la primera porque a los objetos se les da movimiento mientras se les fotografía, cosa distinta del stop motion en la que se fotografía a los objetos mientras están inmóviles.
Así mismo, en Star Wars VII: The Force Awakens el stop motion fue utilizado solo para crear un genial huevo de pascua para los fans. Para esto se recreó la famosa escena del Dejarik o Ajedrez holográfico que aparece en Star Wars: A New Hope. En la cinta del 2015, Finn activa el tablero por accidente y es cuando podemos ver esta secuencia hecha con stop motion, sin duda un genial guiño a los fans. El making of de esta escena no tiene desperdicio.

Making of Holochess for Star Wars: The Force Awakens!



TEXTO EXTRAÍDO DE HIPERTEXTUAL: Por Vonne Lara 31/08/16

“INTERPRETACIÓN VOLUMÉTRICA” DE OBRAS DE GAUGUIN



La Unidad  que desarrollaremos a continuación consiste en realizar una interpretación  volumétrica de cuadros  Paul Gauguin, utilizando una técnica consistente en la superposición de superficies de distinta forma y tamaño cuyo volumen dependerá  del tono y color de cada una. Supone la realización de un ejercicio práctico en el que se plasma el aprendizaje previo sobre la teoría del color y su aplicación, y sobre la sensación del volumen que se consigue a través de la luz que desprenden los distintos colores.
Se trata de un ejercicio de refuerzo de conceptos aprendidos: los distintos tonos de color, aplicados en figuras de dos dimensiones, provocan distintas sensaciones de volumen, vamos a proporcionar diferente “altura” a cada superficie según su color para provocar sombras y potenciar tal sensación de volumen haciendo que este sea no solo una ilusión sino también una realidad.
Partiremos de una amplia explicación acerca del color, su naturaleza, cualidades y posibilidades de aplicación, junto con varios ejercicios de experimentación.  La ejecución de las obras correrá a cargo de  equipos de trabajo que irán rotando para realizar varias actividades.
Además de estas actividades los grupos también tendrán que realizar y exponer información sobre aspectos histórico-artísticos relacionados con la obra que se produce paralelamente y sobre el mismo proceso de ejecución.

ORGANIZACIÓN DEL TRABAJO:
Explicación sobre la naturaleza y características del color. Aplicaciones.
-        El círculo cromático:
·         Colores primarios, secundarios y terciarios.
·         Colores armónicos y complementarios.
-         Colores luz y pigmento.
-         Características del color: tono, saturación, luminosidad.
-         Armonía y mezclas de colores:
·         Armonía por valores monocromos.
·         Armonía por valores análogos.
·         Armonía por contrastes.
·         Armonía por relación. Armonía por familias.
·         Mezclas aditivas y sustractivas: suma de colores por yuxtaposición.
·         Color y expresión del estado de ánimo.





Ejercicios de aplicación de lo aprendido.
- Escala de valores tonales.
- (Estrella cromática). Composición geométrica  para tratamiento de volumen y color.
- Círculo de colores y matices. Luminosidad.
- Composición contraste cromático de complementarios.





















ACTIVIDAD: CONFECCIÓN DE LA OBRA.
Análisis de la obra original.
Análisis de formas y figuras, identificación de tonos y colores. Podremos aplicar todas las variaciones de tonos y colores reconocidos o simplificar y reducir esta variación a los semejantes más utilizados.
El análisis de deberá completar con un estudio más profundo del cuadro.









Confección de plantillas.
Será necesario realizar tantas plantillas como distintos colores hay en la lámina original, suprimiendo en cada una de las formas coloreadas con el tono o color menos luminoso integrado en el inmediatamente anterior. Así iremos reduciendo el tamaño de cada plantilla. Para su calco utilizaremos el proyector de transparencias.





















Elección del material de soporte.
Emplearemos como base un bastidor con tablilla de contrachapado. Para las diferentes piezas de las plantillas emplearemos cartón y telas encoladas si la obra original lo requiere. Para las plantillas usaremos papel continuo.

Imprimación.
Una vez pegadas con cola blanca las piezas sobre el tablero base procederemos a dar una o dos manos de imprimación o pintura selladora.

Pintado.
Emplearemos témperas y pinturas acrílicas a base de agua. Podremos  pintar teniendo en cuenta algunos matices del color, puesto que las obras originales no se realizaron con colores planos. Podremos aplicar también veladuras. Barnizado posterior para protección del cuadro.








ESPACIO EN EL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO

Historia del Cine 1º BAC. Curso 2017.2018.

El cine compone con formas, luces, colores, texturas, profundidad y movimientos, para representar un espacio tridimensional.
Un encuadre tiene profundidad de campo cuando se muestran enfocados planos cercanos y lejanos.
Encuadre, Campo y Fuera de Campo
Encuadre:
Es el límite físico de la imagen, que presenta lo que se ve en pantalla. En el encuadre intervienen aspectos como la posición de la cámara, las características de la fotografía, el movimiento, la perspectiva, la profundidad de campo y los efectos especiales de composición de la imagen.
El encuadre, utilizado por los grandes cineastas desde Lumière, transforma la realidad cotidiana en hecho cinematográfico. Lumière no coloca la cámara perpendicular a la llegada del tren como si fuera el teatro, sino en ángulo oblicuo consiguiendo una composición dinámica, potente y bella.
El encuadre afecta a:
·         El tamaño y forma de la imagen.
·         El campo y fuera de campo.
·         La distancia y el ángulo de visión.
·         El movimiento en la puesta en escena.
Campo: Todo lo que se muestra dentro de los bordes de la imagen.
Fuera de Campo: Conjunto de elementos espaciales (y sonoros) que forman parte de la escena, pero que no se muestran en la pantalla. El uso del fuera de campo (espacio en off y sonido en off) permite sugerir sin mostrar. Así se motiva al espectador para que se esfuerce en imaginar lo que no ve y para que participe en la narración. Como dijo Roland Barthes, el cine tiene un poder que a primera vista la fotografía no posee; el personaje que sale de campo continua viviendo en un área no visible que existe sin que cese la visión parcial.
Además, el uso del fuera de campo puede suponer una economía de medios en la producción de una película, al no tener que rodar todos los planos para ofrecer toda la información.
 Tipos de Plano
Un plano es:
  • En el rodaje, la porción de espacio que toma la cámara (y su escala relativa).
  • En la pantalla, cada fragmento que se muestra en continuidad, sin cortes.
  • En el encuadre, la posición relativa (primer o segundo plano).
Una película suele tener entre 5 y 40 fragmentos narrativos, llamados secuencias, pero puede tener cientos de planos.
El tipo de planos (y movimientos de cámara) puede ser tan importante como la puesta en escena, creando espacios y tiempo y enriqueciendo la forma narrativa de la película. También puede dar lugar a diferentes estilos cinematográficos.
El plano es una unidad muy compleja en la que se combinan todos los elementos de decorado, atrezzo, personas, fotografía y tiempo.
La clasificación de planos está referenciada a la figura humana.
  • GPG - Gran plano general: también llamado Panorámico, es de carácter descriptivo, una visión general de un paisaje, espacio o multitud donde se desarrolla la acción.
  • PG - Plano general: más limitado pero incluyendo a los personajes. Si es un plano general corto, muestra figuras humanas completas en relación con el entorno.
  • PA - Plano americano o tres cuartos: el que corta las figuras a la altura de las rodillas.
  • PM - Plano medio: la figura cortada por la cintura. Nos acerca al personaje. Puede ser PMLplano medio largo, si es algo más abierto, o PMCplano medio corto, si es más cerrado, cortado por el pecho (busto).
  • PP - Primer plano: es un plano corto que muestra la cabeza o el rostro y con ello el carácter, la intención, los sentimientos... Si encuadra solo una parte es un primerísimo planoPPP.
  • PD - Plano-detalle: o gran primer plano es el que dirige la atención a algún centro de interés de tamaño pequeño (una mano, un ojo,...).

Encuadre Móvil
El encuadre móvil es característico del cine. El encuadre cambia dentro de un plano con los movimientos de cámara:
  • Panorámica: la cámara gira sobre su eje, horizontal o verticalmente, recorriendo el espacio o siguiendo a los personajes. Si el movimiento es muy rápido, desenfocando la imagen, se llama barrido.
  • Travelling: la cámara se desplaza siguiendo o acompañando la acción, trasladándose al hombro, sobre ríeles, sobre un artilugio con ruedas (dolly) o con la steadicam (cámara con estabilizador).
  • Plano grúa: la cámara montada sobre un brazo articulado puede moverse en todas direcciones y realizar tomas con movimientos complejos.
  • Zoom: La cámara no se mueve, es el objetivo con lente focal variable el que abre o cierra el espacio, alejando o acercando las figuras, y, en definitiva, cambiando el encuadre.


Algunos otros conceptos sobre planos:
  • Planos trucados con efectos especiales: sobreimpresiones, retroproyecciones, planos Matte (planos pintados). En estos últimos se graban por separado las personas y los decorados, e incluso se realizan digitalmente, como en La inglesa y el Duque (L'anglaise et le ducEric Rohmer, 2001).
  • Plano subjetivo, la cámara mira a través de los ojos de un personaje y nos muestra lo que ese personaje está viendo.

  • Plano-contraplano, es el intercambio de planos entre personajes que conversan orientados en torno a un eje de referencia.

  • Plano picado: plano en el que la cámara enfoca a los personajes por encima de la altura de sus ojos. Una variedad del plano picado es el plano cenital (o picado puro), que se produce cuando la cámara se sitúa justo encima de los personajes, en perpendicular al suelo (como una vista de pájaro).
  • Plano contrapicado: plano en el que la cámara enfoca a los personajes justo por debajo de la altura de sus ojos. Una variedad del plano contrapicado es el plano nadir (o contrapicado puro), que se produce cuando la cámara se sitúa justo debajo de los personajes (desde el suelo, enfocando hacia arriba).
  • Plano máster (mastershot): toma en continuidad de toda la acción de un rodaje que sirve como referencia para ir encajando las diferentes tomas o suplir las fallidas.
  • Plano secuencia: o montaje en el plano. Es el desarrollo de una acción sin cortes a través del movimiento planificado de la cámara siguiendo la acción y moviéndose entre los personajes.


Texto extraído de www.ite.educacion.es.

La fotografía

5º E.Primaria. Curso 2017/2018.

Iniciamos actividad, pero antes de plantear la actividad que realizaremos un poco de historia....





http://stenop.es/projects/



Encuadre y angulos de vision from garbiñe larralde urquijo

Ahora que hemos ampliado nuestros conocimientos de historia veamos  esta presentación sobre fotocollages, nuestro próximo trabajo.


DIORAMAS

1º E.Secundaria. Curso 2017/2018.

¡¡¡Vamos a hacer nuestros propios dioramas!!!

Pero, ¿qué es un diorama? pues ahora entendemos por diorama cualquier maqueta tridimensional. En él se muestran o exponen figuras humanas, animales, naturaleza o seres y mundos imaginarios. Pueden ser abiertos, pudiendo ser contemplados desde todos los ángulos, una maqueta. Pueden presentarse en caja, a modo de teatrillo, y de libro que se montan en forma plana como si fueran las páginas de un libro, pero que cuando se abre, las figuras montadas sobresalen del fondo (algunas tarjetas de navidad y de otros motivos se montan con este sistema, de manera que al abrirlas se proyectan hacia afuera del plano las figuras que se preparan para ello). 







Pero en su origen se entendía por diorama otra cosa...... En el siglo XIX  en París Louis Daguerre inventa el diorama ( fue también el inventor del daguerrotipo), en realidad era el nombre del teatro Diorama, en el que llevaron a cabo este avance escenográfico. Su finalidad era dotar al teatro de un escenario cambiante que ayudase a que el público a sentir con más intensidad lo que allí pasaba. Para ello Daguerre pintaba paisajes y escenas en telas de lino, que eran iluminadas desde varios puntos y se superponían para crear sensación de profundidad. Además elaboraba técnicas escenográficas que incluían movimientos como el de las nubes, o el sol, y así mediante juegos de luces, transparencias, efectos sonoros, etc, recreaba distintos entornos maravillando al espectador. 

Nosotros vamos a realizar nuestros pequeños dioramas o teatrillos a partir de cajas de cartón o madera. Nos inspiraremos en los cuentos o en las grandes historias de la literatura.