El pasado 5 de junio celebrábamos en el cole el Día del Medioambiente. Para la ocasión decidimos hacer una pequeña representación que incorporase un teatro de sombras. Buceando en internet encontré el precioso cortometraje del francés Pierre Bourrigault "Aubade", una delicada y preciosa visión sobre la relación del hombre con la naturaleza, pura poesía visual.
Así que manos a la obra: dos de los alumnos prepararon una danza introductoria en la que se confrontaban la naturaleza frente al aspecto más destructivo del hombre. Dábamos así paso a un pequeño teatrillo de sombras, en el que combinábamos elementos audiovisuales proyectados con nuestros sencillos títeres-siluetas, hechos con cartón, restos de transparencias, alambre y palos. Os dejo a continuación el vídeo en el que recogimos el trabajo realizado por los alumnos y alumnas de 4º de ESO de Dibujo Artístico, de los que me siento muy orgullosa, por su dedicación, esfuerzo y siempre espíritu colaborador.
Aquí dejo el enlace al programa Maneras de Educar, así nos vieron y así nos lo mostraron. Una gran experiencia para tod@s el haber participado en el rodaje.
El stop motion o animación cuadro por cuadro ha sido utilizada desde los primeros filmes en la historia del cine y sigue presente en la actualidad.
El stop motion o animación cuadro por cuadro es una técnica que inició casi a la par que la historia del cine. Las obras que se han realizado con ella son tan variadas como los métodos que existen para su confección. Hoy en día podemos disfrutar de impresionantes largometrajes realizados con esta técnica.
Para resumir, se puede decir que esta técnica de animación consiste en aparentar el movimiento de objetos inanimados o estáticos mediante una serie de imágenes sucesivas. Estas imágenes se realizan una por una y en cada una de ellas se hace un ligero movimiento de los objetos a animar para que, al correr la toma, se aprecie el movimiento.
Los materiales que se utilizan para animar son diversos: muñecos, plastilina, recortes, tizas, juguetes, muñecos articulados especiales... Actualmente también se utiliza la impresión 3D para este fin.
Para comprender mejor a la animación cuadro por cuadro vale la pena nombrar sus distintos tipos, aunque cabe decir que no se trata de una lista fija o inamovible. El stop motion es un proceso profundamente artesanal y artístico, así que cada director y creativo escogen el mejor camino para su proyecto.
Las dos grandes ramas del stop motion son: el claymation y la animación con objetos rígidos. El claymation (plastimación) se destaca por usar materiales maleables como la plastilina o arcilla. Las figuras con estos materiales pueden tener o no un esqueleto de metal para animarse y también hay un subgénero dentro de esta que se caracteriza por transformar en pantalla las figuras, ya sea al derretirlas con calor o combinándolas con otros materiales. Esto es característico, por ejemplo, en los trabajos de Allison Schulnik.
En cuanto a las figuras rígidas, y si hablamos de personajes en particular, estos pueden no tener movimiento en sus facciones para sus expresiones o bien ser completamente articulados, con un impresionante trabajo detrás para conseguir la secuencia de los movimientos. En este punto podemos mencionar los trabajos del estudio Aardman Animations, creadores de Chicken Run, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit y la película de Shaun the Sheep. Así como el impresionante estudio Laika, creadores de ParaNorman, Coraline, Boxtrolls y, recientemente, Kubo and the two strings.
Entonces, viajemos un poco en el tiempo tal y como hace el vídeo realizado por Vugar Efendi y compartido en su cuenta de Vimeo. En él podemos apreciar en primer lugar un pequeño segmento de The Enchanted Drawing del director James Stuart Blackton. A partir de ahí vemos la evolución de los filmes creados con esta técnica, algunos son clave y han hecho que el stop motion, antes que caer en desuso, solo se haya mejorado y que nos sigue sorprendiendo en la pantalla grande.
Los filmes incluidos en el vídeo son los siguientes:
The Enchanted Drawing (1900)
Fun at the Bakery Shop (1902)
El Hotel Electrico (1905)
Humorous Phases of Funny Faces (1906)
The Cameraman's Revenge (1912)
The Night before Christmas (1913)
Häxan (1922)
The Lost World (1925)
The Tale of Fox (1930 version)
King Kong (1933)
The New Gulliver (1935)
The Beast from 20,000 Fathoms (1953)
It Came Beneath The Sea (1955)
Earth vs Flying Saucers (1956)
The Seventh Voyage of Sinbad (1958)
Jason and the Argonauts (1963)
Closed Mondays (1975)
Star wars IV: A New Hope (1977)
Star Wars V: Empire Strikes Back (1980)
Clash of the Titans (1981)
The Terminator (1984)
Robocop (1987)
Beetlejuice (1988)
Wallace and Gromit: A grand day out (1990)
The Secret Adventures of Tom Thumb (1993)
The Nightmare Before Christmas (1993)
James and the Giant Peach (1996)
Chicken Run (2000)
Corpse Bride (2005)
Coraline (2009)
Mary and Max (2009)
Fantastic Mr.Fox (2009)
The Pirates! In an Adventure with Scientists! (2012)
Paranorman (2012)
Frankenweenie (2012)
Star Wars VII: The Force Awakens (2015)
The Little Prince (2015)
Anomalisa (2015)
Kubo and the Two Strings (2016)
STOP MOTION COMO EFECTO ESPECIAL
Sabemos bien que en el cine se utilizan infinidad de efectos especiales. Uno de ellos es precisamente el stop motion, y ha usado más de las veces que creemos. Generalmente se asocia esta técnica de animación con filmes (cortometrajes y largometrajes) de corte infantil o familiares, sin embargo, esto no es así del todo. Como podemos ver en el vídeo y en la lista de filmes que lo conforman, el stop motion fue una técnica muy recurrida en cintas que necesitaban efectos fantasiosos, con criaturas y monstruos, por ejemplo. Tal es el caso de la cinta King Kong de 1933 o de Jason and the Argonauts de 1963.
Otro caso notable en el que se usó stop motion es en las películas de Star Wars. Para Star Wars V: Empire Strikes Back se partió de la técnica original de animación con una variante, lo que dio pie a la confección de una técnica llamada: go motion. Esta se distingue de la primera porque a los objetos se les da movimiento mientras se les fotografía, cosa distinta del stop motion en la que se fotografía a los objetos mientras están inmóviles.
Así mismo, en Star Wars VII: The Force Awakens el stop motion fue utilizado solo para crear un genial huevo de pascua para los fans. Para esto se recreó la famosa escena del Dejarik o Ajedrez holográfico que aparece en Star Wars: A New Hope. En la cinta del 2015, Finn activa el tablero por accidente y es cuando podemos ver esta secuencia hecha con stop motion, sin duda un genial guiño a los fans. El making of de esta escena no tiene desperdicio.
La Unidad que
desarrollaremos a continuación consiste en realizar una interpretación volumétrica de cuadros Paul Gauguin, utilizando una técnica
consistente en la superposición de superficies de distinta forma y tamaño cuyo
volumen dependerá del tono y color de
cada una. Supone la realización de un ejercicio práctico en el que se plasma el
aprendizaje previo sobre la teoría del color y su aplicación, y sobre la
sensación del volumen que se consigue a través de la luz que desprenden los
distintos colores.
Se trata de un ejercicio de
refuerzo de conceptos aprendidos: los distintos tonos de color, aplicados en
figuras de dos dimensiones, provocan distintas sensaciones de volumen, vamos a
proporcionar diferente “altura” a cada superficie según su color para provocar
sombras y potenciar tal sensación de volumen haciendo que este sea no solo una
ilusión sino también una realidad.
Partiremos de una amplia
explicación acerca del color, su naturaleza, cualidades y posibilidades de
aplicación, junto con varios ejercicios de experimentación. La ejecución de las obras correrá a cargo de equipos de trabajo que irán rotando para
realizar varias actividades.
Además de estas actividades los
grupos también tendrán que realizar y exponer información sobre aspectos
histórico-artísticos relacionados con la obra que se produce paralelamente y
sobre el mismo proceso de ejecución.
ORGANIZACIÓN DEL TRABAJO:
Explicación sobre la naturaleza y
características del color. Aplicaciones.
-El círculo cromático:
·Colores primarios, secundarios y terciarios.
·Colores armónicos y complementarios.
-Colores luz y pigmento.
-Características del color: tono, saturación,
luminosidad.
-Armonía y mezclas de colores:
·Armonía por valores monocromos.
·Armonía por valores análogos.
·Armonía por contrastes.
·Armonía por relación. Armonía por familias.
·Mezclas aditivas y sustractivas: suma de colores
por yuxtaposición.
Ejercicios de aplicación de lo aprendido.
-Escala de valores tonales.
-(Estrella cromática). Composición geométrica para tratamiento de volumen y color.
-Círculo de colores y matices. Luminosidad.
-Composición contraste cromático de complementarios.
ACTIVIDAD: CONFECCIÓN DE LA OBRA.
Análisis de la obra original.
Análisis de formas y figuras,
identificación de tonos y colores. Podremos aplicar todas las variaciones de
tonos y colores reconocidos o simplificar y reducir esta variación a los
semejantes más utilizados.
El análisis de deberá completar
con un estudio más profundo del cuadro.
Confección de plantillas.
Será necesario realizar tantas
plantillas como distintos colores hay en la lámina original, suprimiendo en
cada una de las formas coloreadas con el tono o color menos luminoso integrado
en el inmediatamente anterior. Así iremos reduciendo el tamaño de cada
plantilla. Para su calco utilizaremos el proyector de transparencias.
Elección del material de soporte.
Emplearemos como base un bastidor
con tablilla de contrachapado. Para las diferentes piezas de las plantillas
emplearemos cartón y telas encoladas si la obra original lo requiere. Para las
plantillas usaremos papel continuo.
Imprimación.
Una vez pegadas con cola blanca
las piezas sobre el tablero base procederemos a dar una o dos manos de
imprimación o pintura selladora.
Pintado.
Emplearemos témperas y pinturas
acrílicas a base de agua. Podremos
pintar teniendo en cuenta algunos matices del color, puesto que las
obras originales no se realizaron con colores planos. Podremos aplicar también
veladuras. Barnizado posterior para protección del cuadro.
El cine
compone con formas, luces, colores, texturas, profundidad y movimientos,
para representar un espacio tridimensional.
Un encuadre tiene profundidad
de campo cuando se muestran enfocados planos cercanos y lejanos.
Encuadre, Campo y Fuera de Campo
Encuadre:
Es el límite físico de la imagen, que
presenta lo que se ve en pantalla. En el encuadre intervienen aspectos como
la posición de la cámara, las características de la
fotografía, el movimiento, la perspectiva, la profundidad
de campo y los efectos especiales de composición de
la imagen.
El encuadre, utilizado por los grandes
cineastas desde Lumière, transforma la realidad cotidiana en hecho
cinematográfico. Lumière no coloca la cámara perpendicular a la llegada del
tren como si fuera el teatro, sino en ángulo oblicuo consiguiendo una
composición dinámica, potente y bella.
El encuadre afecta a:
·El tamaño y forma de la imagen.
·El campo y fuera de campo.
·La distancia y el ángulo de visión.
·El movimiento en la puesta en
escena.
Campo: Todo
lo que se muestra dentro de los bordes de la imagen.
Fuera de Campo: Conjunto
de elementos espaciales (y sonoros) que forman parte de la escena, pero que
no se muestran en la pantalla. El uso del fuera de campo (espacio en
off y sonido en off) permite sugerir sin mostrar. Así se motiva al
espectador para que se esfuerce en imaginar lo que no ve y para que
participe en la narración. Como dijo Roland Barthes, el cine tiene un
poder que a primera vista la fotografía no posee; el personaje que sale de
campo continua viviendo en un área no visible que existe sin que cese la
visión parcial.
Además, el uso del fuera de campo puede
suponer una economía de medios en la producción de una película, al no tener
que rodar todos los planos para ofrecer toda la información.
Tipos de Plano
Un plano es:
En el rodaje, la porción
de espacio que toma la cámara (y su escala relativa).
En la pantalla, cada
fragmento que se muestra en continuidad, sin cortes.
En el encuadre, la
posición relativa (primer o segundo plano).
Una película
suele tener entre 5 y 40 fragmentos narrativos, llamados secuencias,
pero puede tener cientos de planos.
El tipo de
planos (y movimientos de cámara) puede ser tan importante como la puesta en
escena, creando espacios y tiempo y enriqueciendo la forma narrativa de la
película. También puede dar lugar a diferentes estilos cinematográficos.
El plano es
una unidad muy compleja en la que se combinan todos los elementos de
decorado, atrezzo, personas, fotografía y tiempo.
La clasificación
de planos está referenciada a la figura humana.
GPG - Gran plano
general: también llamado Panorámico, es de
carácter descriptivo, una visión general de un paisaje, espacio o multitud
donde se desarrolla la acción.
PG - Plano general:
más limitado pero incluyendo a los personajes. Si es un plano
general corto, muestra figuras humanas completas en relación con el
entorno.
PA - Plano americano o
tres cuartos: el que corta las figuras a la altura de las
rodillas.
PM - Plano medio: la
figura cortada por la cintura. Nos acerca al personaje. Puede ser PML, plano
medio largo, si es algo más abierto, o PMC, plano
medio corto, si es más cerrado, cortado por el pecho (busto).
PP - Primer plano: es
un plano corto que muestra la cabeza o el rostro y con ello el carácter,
la intención, los sentimientos... Si encuadra solo una parte es un primerísimo
plano, PPP.
PD - Plano-detalle:
o gran primer plano es el que dirige la atención a algún
centro de interés de tamaño pequeño (una mano, un ojo,...).
Encuadre Móvil
El encuadre
móvil es característico del cine. El encuadre cambia dentro de un plano con
los movimientos de cámara:
Panorámica: la
cámara gira sobre su eje, horizontal o verticalmente, recorriendo el
espacio o siguiendo a los personajes. Si el movimiento es muy rápido,
desenfocando la imagen, se llama barrido.
Travelling: la
cámara se desplaza siguiendo o acompañando la acción, trasladándose al
hombro, sobre ríeles, sobre un artilugio con ruedas (dolly)
o con la steadicam(cámara con estabilizador).
Plano grúa: la
cámara montada sobre un brazo articulado puede moverse en todas
direcciones y realizar tomas con movimientos complejos.
Zoom: La
cámara no se mueve, es el objetivo con lente focal variable el que abre o
cierra el espacio, alejando o acercando las figuras, y, en definitiva,
cambiando el encuadre.
Algunos otros
conceptos sobre planos:
Planos trucados con
efectos especiales: sobreimpresiones,
retroproyecciones, planos Matte (planos pintados). En
estos últimos se graban por separado las personas y los decorados, e
incluso se realizan digitalmente, como en La inglesa y el Duque(L'anglaise et le duc, Eric Rohmer,
2001).
Plano subjetivo, la
cámara mira a través de los ojos de un personaje y nos muestra lo que ese
personaje está viendo.
Plano-contraplano, es
el intercambio de planos entre personajes que conversan orientados en
torno a un eje de referencia.
Plano picado: plano
en el que la cámara enfoca a los personajes por encima de la altura de sus
ojos. Una variedad del plano picado es el plano cenital (o
picado puro), que se produce cuando la cámara se sitúa justo encima de los
personajes, en perpendicular al suelo (como una vista de pájaro).
Plano contrapicado: plano
en el que la cámara enfoca a los personajes justo por debajo de la altura
de sus ojos. Una variedad del plano contrapicado es el plano nadir (o
contrapicado puro), que se produce cuando la cámara se sitúa justo debajo
de los personajes (desde el suelo, enfocando hacia arriba).
Plano máster (mastershot):
toma en continuidad de toda la acción de un rodaje que sirve como
referencia para ir encajando las diferentes tomas o suplir las fallidas.
Plano secuencia: o
montaje en el plano. Es el desarrollo de una acción sin cortes a través
del movimiento planificado de la cámara siguiendo la acción y moviéndose
entre los personajes.
Pero, ¿qué es un diorama? pues ahora entendemos por diorama cualquier maqueta tridimensional. En él se muestran o exponen figuras humanas, animales, naturaleza o seres y mundos imaginarios. Pueden ser abiertos, pudiendo ser contemplados desde todos los ángulos, una maqueta. Pueden presentarse en caja, a modo de teatrillo, y de libro que se montan en forma plana como si fueran las páginas de un libro, pero que cuando se abre, las figuras montadas sobresalen del fondo (algunas tarjetas de navidad y de otros motivos se montan con este sistema, de manera que al abrirlas se proyectan hacia afuera del plano las figuras que se preparan para ello).
Pero en su origen se entendía por diorama otra cosa...... En el siglo XIX en París Louis Daguerre inventa el diorama ( fue también el inventor del daguerrotipo), en realidad era el nombre del teatro Diorama, en el que llevaron a cabo este avance escenográfico. Su finalidad era dotar al teatro de un escenario cambiante que ayudase a que el público a sentir con más intensidad lo que allí pasaba. Para ello Daguerre pintaba paisajes y escenas en telas de lino, que eran iluminadas desde varios puntos y se superponían para crear sensación de profundidad. Además elaboraba técnicas escenográficas que incluían movimientos como el de las nubes, o el sol, y así mediante juegos de luces, transparencias, efectos sonoros, etc, recreaba distintos entornos maravillando al espectador.
Nosotros vamos a realizar nuestros pequeños dioramas o teatrillos a partir de cajas de cartón o madera. Nos inspiraremos en los cuentos o en las grandes historias de la literatura.
